NICK GARRIE Felipop Inverno 2007

Segunda parte do Felipop de Inverno do 2007 nesta ocasión co concerto de Nick Garrie. A crónica é tamén de Jose Mª Caamaño.

01 - INK POT EYES 02 - THE NIGHTMARE OF J.B. STANISLAS 03 - CAN I STAY WITH YOU 04 - WHEEL OF FORTUNE 05 - DEEPER TONES OF BLUE 06 - BUNGLES TOURS 07 - STAY TIL THE MORNING COMES 08 - BACK IN THE 1930 09 - ALL OF THE TIME 10 - LE PONT MIRABEAU 11 - LOVE IN MY EYES 12 - THE DAYS OF WINE AND ROSES 13 - THE STREET MUSICIAN 14 - NOOK AND CRANNY 15 - CHATEAU D´OEX BLUES 16 - KNOCKIN´ ON HEAVEN´S DOOR 17 - LES FEUILLES MORTES 18 - MELLOW YELLOW 19 - WILD WILD HEART

Nada mas terminar su actuación Magín Blanco subió al escenario Nick Garrie, también acompañado exclusivamente por su guitarra acústica (y armónica ocasionalmente ). Afortunadamente con más suerte, sin sobresaltos técnicos de sonido, aunque contando también con el acompañamiento coral de los tertulianos, si bien se agradeció que empezaran a tener mayor dominio del nivel sonoro. Nick hizo un repaso completo por su corta discografía, comenzando con el ‘Ink pot eyes’ del primer y semi-perdido trabajo de 1969 "The Nightmare of J.B. Stanislas" reeditado en 2005 por Rev-Ola, anunciando asimismo un próximo lanzamiento con el acompañamiento de miembros de Teenage Fanclub. Combinando canciones personales e íntimas con otras más tarareables, flotando en el ambiente inconscientemente los arreglos barrocos de sus más conocidas canciones (‘The Nightmare of J.B. Stanislas’, ‘Wheel Of Fortune’, ‘Stay Till The Morning Comes’ o ‘The Days of Wine And Roses’), y aderezado todo ello con temas cantados en francés (trabaja actualmente como profesor de francés) y celebradas versiones del ‘Knockin’ on heaven’s door’ de Bob Dylan o el ‘Mellow yellow’ de Donovan, mientras entre canción y canción hacía alusiones en los comentarios a su infancia, conocidos colaboradores, su pasión por viajar, o al largo parón discográfico. Me sorprendió agradablemente el ver que su voz atenorada y juvenil sigue en condiciones envidiables. Pop de 24 kilates en bruto (rodeado de abundantes piedras que escondían su brillo) fue lo que se pudo escuchar en Limodre, para quien fuera buscando auténtico oro musical.

MAGÍN BLANCO Momentos Felipop

No Felipop de Inverno do 2007 compartiron escenario en Casa Ardá Magín Blanco e Nick Garrie. Da actuación do rúes puidéronse salvar tres cancións que xunto con outras gravadas nas súas diferentes aparicións por Limodre conforman este Momentos Felipop. A lista de temas é a seguinte

01 LA CANCIÓN DE LA SERPIENTE 02 EL BIG BANG 03 ELLA ES DE MIEL 04 BOSSA PRA VOÇÉ 05 AQUELLOS DÍAS 06 OTIS REDDING 07 PURITA/MORIS MEDLEY08 CUANDO MI VOZ 09 MI ATMÓSFERA con Burgas Beat 10 EL BIG BANG con Burgas Beat 11 HIELO SOBRE HIELO con Burgas Beat 12 NO VOLVERÉ con Burgas Beat 13 BALADA DE MADRID

O que ven a continuación é a crónica que fixo José Mª Caamaño para El Corazón de Los Pájaros, a páxina de Magín

28 de Diciembre de 2007, Limodre (pequeño pueblo de Fene que no sale en el GPS), una fría noche de invierno en la que un heterogéneo grupo de gente llenamos el local “Casa Ardá” para disfrutar de las selectas actuaciones que los organizadores del Felipop acostumbran a programar. No hay lugar para el frío, el calor humano es la primera sensación que se percibe al entrar en el local, músicos y público se funden en relaciones de antigua amistad, casi familiares. Abre el concierto Magín Blanco, solo, con su guitarra acústica de 12 cuerdas. Le toca la peor parte, calentar motores. Distendido y animado intenta desde la primera canción que el público participe, pero ahí comienza a percibirse la parte negativa de esta reunión familiar, mezclados con los aficionados a la música se encuentran los aficionados a la barra y a las tertulias de bar, siempre dispuestos a superar el volumen ambiental. Como “simpáticamente” comentaría Magín a mitad de concierto “si hubiese otro local abierto en Limodre más de uno no estaría allí”. Como medida acertada nos animamos a acercarnos al escenario, pero la mala suerte vuelve a cebarse con Magín, el equipo de música falla, la guitarra y la voz disminuyen considerablemente de volumen. Es obligatoria una parada para intentar solucionar la avería. Momentos de pensar en los inconvenientes de los festivales hechos con mucha ilusión y poco presupuesto. Con un equipo menos potente y pequeños problemas sin solucionar deciden reiniciar la fiesta. Queremos disfrutar y estamos dispuestos a olvidar los contratiempos, a pesar de las voces de fondo que siguen empeñadas en amargarnos la escucha. Entre rabia y placer lo mejor es concentrarse y tararear las bellas canciones que Magín Blanco interpreta con su guitarra y armónica, haciendo un recorrido por temas de los discos ”Realidad” y “Ella”, (‘Realidad’, ‘Lluvia dorada’, ‘Purita’, ‘La fiesta’...), intercalando nuevas e inspiradas canciones que suenan realmente bien e indican el interesante momento por el que está pasando y que probablemente pronto tendremos nuevo disco....continúa

NIC JONES Penguin Eggs (Topic Records, 1980)

Hoxe traemos a un inglés, Nicolas Paul Jones, que formou parte do revival folc nos setenta e que destacou sobre todo pola súa técnica á guitarra e os arranxos que lle imprimía aos temas tradicionais. Orixinario do condado de Kent, onde naceu no ano 1947, os seus primeiros contactos musicais foron coa música dos Shadows ata que acabou metido nun grupo folc chamado The Halliard cos que estivo ata a súa definitiva separación no ano 68. A partir de entón comenzou unha carreira en solitario durante a que chegou a editar ata cinco discos, o último deles este "Penguin eggs" escollido no 2001 como o segundo mellor album de folc de tódolos tempos polos oíntes do programa de Mike Harding na BBC. O disco móvese por terreos de folc tradicional con pequenos arranxos de acordeón e violín. Quizáis o tema máis destacado sexa o que abre o disco "Canadee-i-o", excelente exemplo da técnica de Nic e motivo de controversia dende que Bob Dylan decidiu incluílo no seu disco de 1992 "Good as I Been to You" cuns arranxos que se asemellan moito ós feitos por Nic pero sen nengunha mención á orixe da inspiración. Desgraciadamente en febreiro de 1982 tivo un accidente de tráfico que o deixou bastante desfeito e con problemas de coordinación poñendo practicamente punto final a súa carreira.

Nic Jones web

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JOHN FORD: Centauros Del Desierto (1956)

El 16 de junio de 1955 comenzó el rodaje de una de las mayores epopeyas que el cine americano haya filmado jamás, así como una de las películas más personales de su autor; John Ford. Estamos hablando de Centauros del desierto.

Cinco años después de haber rodado su último western; Río Grande y tras la decepcionante experiencia de Escala en Hawai, Ford se encuentra con más ganas que nunca de regresar a Monument Valley.A sus 62 años, Ford, acumulaba tras de si una serie de convicciones políticas y sociales bien arraigadas, frente a ellas surge una sociedad americana que abandona la senda del macarthysmo para introducirse de lleno en la lucha por los derechos civiles. En 1954 el Tribunal Supremo había declarado ilegal la segregación racial en las escuelas públicas norteamericanas, poco más tarde, en Montgomery (Alabama), Rosa Parks se niega a ceder su asiento, en el autobús, a un hombre blanco, dando paso de este modo al movimiento que con posterioridad liderará Martin Luther King y cuya historia es de todos conocida… Algo estaba cambiando en la sociedad americana y Ford era testigo de excepción de lo que allí estaba ocurriendo, todo ello influirá de modo directo en su nuevo proyecto, empujándolo a abordar de forma decidida los miedos interraciales que acechaban a la sociedad blanca estadounidense. Sería cicatero afrontar un film de tal envergadura desde un solo ángulo, cuando críticos cinematográficos de primer nivel lo han abordado desde infinidad de perspectivas -y desde esta, me imagino, también-. Lo que se pretende en este artículo, es dar un repaso a un plano que no nos parece menor dentro de la infinidad de interpretaciones posibles. La actividad que proponemos a continuación se basaría en el ejercicio mental de sustituir a todos y cada uno de los indios o mestizos presentes en la cinta por personajes negros. Vamos allá… alea iacta est.

Ford sitúa la acción en Texas en 1868, cuando Ethan Edwards regresa a casa de su hermano, tres años después de acabada la guerra civil, contienda en la que había optado por el bando perdedor. En el porche lo esperan su cuñada, con la que tiempo atrás compartió algo más que parentesco, su hermano, su sobrino Ben y sus dos sobrinas Debbie y Lucy. Ford deja para más tarde la presentación del hijo adoptivo de la familia Edwards: Martin Pawley un joven mestizo con una octava parte de sangre cherokee y el resto de galés e inglés, personaje fundamental en el desarrollo del film. Poco después de la vuelta de Ethan, y en su ausencia, su hermano, su cuñada y su sobrino, son salvajemente asesinados a manos de un grupo de comanches liderados por el jefe Cicatriz. Los indios secuestran a las dos hijas del matrimonio, violando y asesinando con posterioridad a Lucy, la mayor. Ethan empleará siete años de su vida en la agónica búsqueda de su sobrina Debbie, en su deambular le acompañará un cándido e inexperto Martin Pawley.

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THE SUMMER SUNS (10", Get Hip, 1997)

The Summer Suns fueron el proyecto del australiano Kim Williams entre 1985 y 1996 para dar salida a sus inquietudes musicales, mezclando certeramente un poquito de folk-rock con power-pop de fuerte carga melódica. Formaron parte del revival powerpopero de la segunda mitad de los ochenta en Australia pero el hecho de no salir practicamente de Perth, separada casi 4000 kilómetros del los centros de poder de la costa este, Sydney y Melbourne y también a la inestabilidad de la formación, hicieron que sus grabaciones no trascendieran lo suficiente a pesar de la indudable calidad de las mismas. Este 10" editado por Get Hip incluye el single editado para Waterfront en el 89 "All Away/Girl in a Mexican Restaurant", cuatro temas aparecidos posteriormente en su único LP "Calpurnia" (House of Wax, 1994), incluídas las fabulosas "She´s my kind of girl" y "Brighter than the sun" en versiones menos estilizadas, una rarita "Turning" y otro single más editado para House of Wax en 1994, "The Angel Angeline" y su cara B "Samantha", la que más me gusta con diferencia.

The Summer Suns

G.K.CHESTERTON El hombre que fue jueves (1908)

Syme, Gabriel Syme, así es como se llama el protagonista de la novela de Chesterton, el detective-poeta que infiltrado dentro de una célula anarquista adoptará el nombre de Jueves. Una vez dentro, Syme, intentará frenar los maléficos planes de un maquiavélico líder anarquista conocido como Domingo. En el hombre que fue Jueves, Chesterton crea una ficción de diálogos chispeantes, agudo sentido del humor, e intriga a raudales. Donde las aventuras y desventuras de Syme son presentadas por el autor desde una perspectiva ambigua, en las que el protagonista se verá obligado a encadenar continuos saltos hacia delante, al tiempo que se enfrenta a unos rivales que en muy pocas ocasiones son lo que aparentan.

Por otra parte, la novela nos propone dos niveles de lectura, el primero determinado por la trama policíaca, preponderante durante toda la narración. Y un segundo nivel más metafísico, en el que Chesterton envuelve a la novela en un sutil halo religioso que, aunque acorde con sus creencias, y sin llegar a caer en el dogmatismo, puede resultar hasta molesto para según que lector.
Tras esta breve introducción, consideramos que la trascripción de un breve pasaje de la obra es mucho más ilustrativo de lo que un simple aficionado pueda llegar a relatar sobre “El hombre que fue Jueves”. El siguiente párrafo describe como uno de los personajes de la novela tiene que hacer ver, delante de un nutrido y erudito auditorio, que no se trata de un impostor, enfrentándose en un duelo intelectual con el mismísimo individuo al que suplanta. Valga esta liosa presentación para dar paso a la cita sin desvelar el contenido de la trama.

Así que intentó desvirtuar mis pretensiones intelectualmente. Contrarresté su intento con un simple truco. Cuando decía algo que nadie excepto él podía entender, yo respondía algo que no podía entender ni yo mismo.“No puedo creer –dijo- que usted haya podido desarrollar el principio de que la evolución es sólo negación, ya que es inherente a él la introducción de lagunas, que son esenciales para la diferenciación”. Yo respondí con actitud desdeñosa: “Usted ha sacado todo eso de Pinckwerts; la idea de que la involución funciona eugenésicamente fue expuesta hace tiempo por Glumpe”. Sobra decir que nunca hubo personas como Pinckwerts y Glumpe. Pero la gente a nuestro alrededor (para mi sorpresa) parecía recordar muy bien sus nombres, y el profesor, al ver que el método erudito y misterioso lo dejaba a merced del enemigo, carente de escrúpulos, recurrió a una forma más popular de sutileza. “Ya veo –dijo despectivamente- que usted convence como el falso cerdo de Esopo”. “Y usted fracasa –respondí sonriendo- como el puercoespín de Montaigne” ¿Necesito decir que no hay ningún puercoespín de Montaigne?

SAILCAT Motorcycle Mama (Elektra, 1972)

Nacidos del inquieto cerebro de John Wyker, un veterano de los estudios Muscle Shoals en Alabama y del vocalista Court Pickett, Sailcat no pasaron de ser otra de esas maravillas de un sólo éxito. A ellos les tocó en el verano del 72 donde sorprendieron con "Motorcycle mama". La primera primera versión que hicieron de la canción no les convenció pero sí lo hizo a los jefazos de Elektra que les propusieron grabar todo un LP. El resultado fue este disco con cierto punto conceptual de inspiración en "Easy Rider", acerca de las vicisitudes de un motero: su vida en la carretera como un vagabundo, su encuentro con el amor de una joven señorita, el niño y sus nuevas preocupaciones, ojo, sin abandonar su amor por la moto en ningún momento como se ve en la última escena de las bonitas ilustraciones interiores, obra de Jack Davies. A pesar de que la historia es un poco tras, el disco no está nada mal y aparte del éxito tiene otros temas interesantes como el fantástico instrumental "Highway Rider", el pop rock de "If You´ve got A Daughter" que parece interpretada por los Kinks de los setenta, momentos stonianos en "Rainbow Road", toques más íntimos en "The Dream" o "The Thief" y todo ello interpretado con la ayuda de lo más granado de los Muscle Shoals. De "Motorcycle Mama" hicieron una gran versión los Sugarcubes en 1990 en aquella recopilación titulada Rubáiyát editada para celebrar los 40 años de Elektra Records. Para una información mucho más detallada podéis leer este artículo de Richie Unterberger

THREE O´CLOCK Arrive Without Travelling (LP, IRS, 1985)

Os Three O´Clok foron a quintaesencia e modelo máis acaído do que a mediados dos 80 deuse en chamar Paisley Underground, un movemento musical centrado esencialmente en Los Angeles e referido a bandas como Dream Syndicate, Long Ryders, Rain Parade ou Bangles, para acabar englobando a outras (desde REM, Guadalcanal Diary ou os fascinantes Game Theory). Precisamente fora Michael Quercio o líder de Three O´Clock quen lle puxo nome ao movemento deste fato de grupos que recuperaron o pop de guitarras e a psicodelia máis directa de raíz melódica e sixtie. Nomes xa non reivindicables senón esenciais dos que The Three O´Clock forman parte importantísima como o seu líder, Michael Quercio, un tipo moi interesante con esa voz recoñecible equivocamente infantil/feminina. No ano 82 o seu grupo chámase The Salvation Army e deles queda un excelente disco homónimo de pop garaxeiro. No ano 93 foi reeditado en cedé con 9 bonus (“Happen Happened” chámase). Unha denuncia do Exército de Salvación (os auténticos Salvation Army) obríganos a trocar de nome polo de Three O´Clock. A formación neste intre é Quercio (voz e baixo), Gregg/Louis Gutierrez (guitarra), Mike Mariano (teclados) e Danny Benair (baterista). Con ela gravan o escintilante ep “Baroque Hoedown” a finais do 82 e ao ano seguinte, o revelador “Sixteen Tambourines”, abeirados xa a un estilo máis pop baseado na psicodelia sixtie actualizada e no que codifican o seu son. Isto vese claramente no seu seguinte traballo, o primeiro gravado para o selo I.R.S., este “Arrive Without Travelling” publicado no ano 85 e inencontrable na rede ou nas tendas. Marabilloso traballo con pezas tan exquisitas como “The girl with the guitar”, a intensa e hipnótica “Simon in the park” (gran título), o seu pequeno hit “Her Head's Revolving”, ou o sinxelo motowniano “Haf the Way There” fan deste traballo a súa obra central, necesaria tanto para os amantes do son Three O´Clock como para aqueles afeccionados ao fenómeno Paisley Underground. Nunca serían os mesmos, e a súa carreira foi devalando despois de “Ever After” (86) e Vermillion “88” -no que colaboraba o seu grande fan, Prince-, pero polo menos puideron presumir de discos tan bos como “Sixteen Tambourines” ou este “Arrive Without Travelling”. Comprobádeo.

TAXI (LP, Polygram, 1981)

Taxi foron unha banda portuguesa que comenzaron no 1976 baixo o nome de Pesquisa. A finais de década adoptan o definitivo de Taxi cunha formación na que estaban João Grande (voz), Henrique Oliveira (guitarra), Rodrigo Freitas (batería) e Rui Taborda (baixo). Orixinalmente cantaban en inglés pero cando fichan por Polygram para gravar o seu primeiro disco a discográfica ponlles como condición que deben cantar en portugués. Aceptado o desafío debutan coa estupenda "Chiclete", que é un éxito no país veciño e que tamén lles permite tocar no 1981 como teloneiros dos Clash. O álbum "Taxi" convertiríase no "primeiro disco de ouro do rock portugués", vendendo máis de 35.000 discos e, a verdade, é unha venda merecida porque o disco está moi ben, divertido de principio a fin, dos de mover a perna, un excelente disco de ese tipo de "new wave" con influencias do reggae e o ska. Ademáis de "Chiclete" ten outras gañadoras como "TV WC", "Meu Manequim" ou as miñas favoritas "O as dos flippers" e "Não Máis". Desgraciadamente o seu segundo disco "Cairo", cunha portada de bonito deseño, viña nunha lata en formato circular, non estaba tan ben a pesar de vender máis de 15.000 unidades nos tres días posteriores ao seu lanzamento. Un ano despois editaron "Salutz" para despedirse no 1987 com "The Night", un disco integramente cantado en inglés.

THE WORLD OF OZ (Deram-Fan Club, 1969)

A sección Grandes Discos Ninguneados era un proxecto para o número 12 de 18 RODAS pero como non chegamos a publicalo, o artigo quedou arquivado no caixón. Aquela primeira incursión tiña como protagonista ao único e homónimo disco dos británicos The World of Oz (1969), unha obra mestra de psicodelia-pop. Na súa celebrada guía musical Tapestry of Delights, o ninguneador Vernon Joynson fala do disco nestes termos: “O seu álbum resulta máis ben decepcionante, queixoso e xuvenil”.

Soubemos xa hai anos desta banda de Birmingham a partir de varios dos seus sinxelos editados no 68 que foron aparecendo para nós en gorentosas recompilacións de psicodelia británica como os Rubbles (Starcaise to Nowhere) ou o British Psichedelic Trip. Canda simpáticos temas como The Muffin Man -o seu grande éxito, sobre todo en Bélxica e Holanda- ou Peter´s Birthday, había pezas mestras como a enigmática Like a Tear. Xa en marzo do 69 editan o seu Lp homónimo no selo Deram, subselo progre de Decca. O álbum foi producido polo ilustre Wayne Bickerton con arranxos de Mike Vickers (Hollies, Cat Stevens, etc.) e está moi influído pola épica psicodélica dos Bee Gees, sobre todo na ambigua voz de Christopher Robin, e pola estética musical do momento xa nun pleno devalo que non beneficiou o éxito comercial do traballo. Canda os sinxelos mencionados, o disco inclúe cortes como King Croesus, Jack, Bring the Ring, The Hum Gum Tree, We´ve All Seen the Queen ou a sensacional With A Little Help que fan da súa escoita unha ledicia. O pasado ano Repertoire reeditou o disco, o grande fanzine Marmalade Skies publica unha entrevista actual co seu organista David Kubinec, ademais de poder consultar unha excelente entrada no All Music, onde se contan curiosidades tales como que o seu segundo organista Geoff Nicholls acabou tocando nada menos que con Black Sabbath!!!

GUANTE BLANCO, rtve haciendo el tras

Siempre pasa lo mismo. Para una vez que estaban dando algo en televisión que seguía con verdadero interés, van y la retiran por el maldito share, a pesar de que supuestamente el Ente Público no tendría que tener en cuenta eso.

Lo que más me sorprendió de la serie Guante Blanco fue lo bien cuidada que estaba; desde unos créditos tremendamente elegantes hasta unas tramas perfectamente urdidas y enormemente entretenidas, en parte gracias al oficio de unos actores no demasiado conocidos pero que aportan considerable solvencia a la historia.

Los créditos me recordaban, aunque vagamente, a los de Hitchcock en “La Trama”, y reflejaban de forma fidedigna lo que iba a ocurrir a continuación: una historia de buenos y malos, de polis y cacos, donde poco a poco se van entrelazando, historias profesionales con relaciones interpersonales. Todo ello envasado en un esplendoroso color blanco Ariel, donde tan inmaculados son los agentes de la ley, como pulcros los delincuentes.

La serie sorprende por no contar con escenas de violencia, ni un solo disparo ni una mancha de sangre en todo lo que llevamos de metraje. El resultado da la razón a aquellos que opinan que no son imprescindibles ni ensaladas de tiros ni cientos de litros de hemoglobina para crear un producto entretenido. La pena es que la audiencia no opine del mismo modo.

Si todo lo contado hasta el momento fueron parabienes, también es conveniente señalar aquello que menos me gustó o que incluso me llegó a molestar de la serie. En este apartado debo apuntar hacia las dramáticas vidas privadas de los dos protagonistas: la del policía marcada por la muerte traumática de su esposa que le deja cara a cara con sus dos hijos y la del ladrón, desesperado por tener que hacer frente a una hija adolescente en estado de buena esperanza. Sin duda, y por lo que se pudo intuir, ambas situaciones familiares son necesarias para la resolución final de la trama. Pero ambas, por manidas, chirrían dentro de la historia. El tema niños, merecería un capítulo aparte...

Por último comentar la mala gestión que del producto ha hecho RTVE, al que no ha concedido tiempo alguno de maduración. Tras el segundo capítulo cambió su emisión para los viernes donde, efectivamente, siguió perdiendo audiencia. Conclusión: al programador no le gustaba la serie. De otro modo no se entiende programar un producto no consolidado en competencia directa con espacios solidamente afianzados en parrilla como: El Comisario, marujeo, gayosos varios, y demás… En definitiva, el programador: un Crack. ¿No había que reducir personal en el ente? Pues que alguien se fije en este angelito.

Los capítulos que faltan hay que seguirlos via Internet en:

http://www.rtve.es/television/guanteblanco/

LA REVOLUCIÓN DE EMILIANO ZAPATA Nasty Sex (1971)

La Revolución de Emiliano Zapata, La Revo para sus seguidores, fue un grupo fundado en Guadalajara (México), por Óscar Rojas (voz), Carlos Valle (guitarra solista y coros), Francisco Martínez Ornelas (bajo), Marco Carrasco (batería) y Javier Martín del Campo (guitarra). Lo que empezó como una diversión para tocar en fiestas se convirtió en algo más serio tras ganar un concurso de una radio local "Radio Ondas de la Alegria" que les permitió a los tres meses de su formación la posibilidad de grabar con Polydor. Con su residencia fijada en México DF editaron en 1970 su primer single "Nasty Sex", que rapidamente les produjo renocimiento no sólo en México sino también en otras partes de América y Europa, de hecho los jefazos de Polydor les enviaron cinco medallas de reconocimiento por sus ventas. Su segundo single "Shit City", traducida por "Ciudad Perdida" no tuvo tanto éxito aunque a mí particularmente me gusta bastanta más que el primero. En 1972 participaron en la película "La verdadera vocación de Magdalena" con la cantante y actriz Angélica María de protagonista con un argumento que a grandes rasgos contaba los problemas de Magdalena, casada con el rocanrolero Eme, algo que no gustaba a su madre que no deja de recordarle que pudo haberse casado con el aparentemente decente Armando. En realidad, lo que Magdalena quiere es ser estrella musical y está dispuesta a todo con tal de lograrlo. En los años posteriores intentaron la búsqueda de nuevos éxitos que no llegaron, abandonando incluso sus orígenes más guitarreros y decantándose más hacia el lado romántico de las canciones, aguantando hasta 1978 en que pusieron fin a su historia. Este es el single publicado en España en 1971 y que incluye probablemente las dos mejores canciones del grupo, las dos citadas anteriormente, aunque "Nasty Sex" está en versión reducida con respecto a los 7:21 que dura en el Lp.
Lo que va a continuación el la hoja de promo que acompañaba al single cuando lo compré.

LA REVOLUCIÓN DE EMILIANO ZAPATA,UN GRUPO POP CON EXPRESIÓN PROPIA

Entre los grupos de intérpretes que se incorporan al actual movimiento musical, figuran los que destacan no solamente por su juventud en espíritu y edad, sino también por la consecuente asimilación de la experiencia musical de nuestra época con perspectiva de crear su propio camino de expresión. A este tipo de grupo pertenece La Revolución de Emiliano Zapata, joven conjunto mexicano que en muy poco tiempo se ha colocado al frente de la actualidad musical de su país, ocupando los primeros puestos de popularidad y venta de discos.

De auténtica "revolución" puede calificarse la irrupción en México de este nuevo grupo, que con sólo dos "singles" hasta hoy, en el mercado, han conseguido ya los más importantes premios musicales concedidos en México, entre ellos el "Ce-Xóchitl", otorgado por la Televisión Mexicana al conjunto revelación de cada año: y también el "Discómetro" concedido por idéntico motivo por la cadena "Mercado de Discos". "Nasty Sex", el título que ahora entra en el mercado español, ha sido la primera grabación del grupo, que se distingue por la originalidad y maestría con que resuelve el empleo de los instrumentos y por su excelente ritmo.

STIEG LARSSON Los hombres que no amaban a las mujeres (Ediciones Destino, 2008)

La desaparición de Harriet Vanger hace treinta y seis años no es, hoy en día, más que un caso cerrado para la policía, pero un intrigante misterio para su anciano tío Henrik Vanger. Este es el punto de partida que propone Stieg Larsson para introducirnos en una fascinante historia negra, donde los circunstanciales investigadores forman una pareja de lo más singular y en el que a partir de la historia principal se van abriendo multitud de tramas secundarias que el autor una por una, y a su debido tiempo, irá cerrando.

"Los hombres que no amaban a las mujeres" es una novela bien escrita, perfectamente estructurada y profundamente entretenida. En definitiva una novela que nos coloca ante uno de los hitos del género negro. Literatura que, por popular, muchos la han considerado poco digna, nada más lejos de la realidad y para muestra este botón de Stieg Larsson…continuará…

TIMMY THOMAS The Magician (Glades, 1976)

Habíamos dejado a nuestro héroe triunfando mundialmente con "Why Can't We Live Together". Los siguientes singles aunque alcanzaron las listas no fueron tan memorables así que compatibilizó su carrera en solitario con el trabajo para TK Records, participando en grabaciones tanto para George McCrae como para su señora, Gwen McCrae. "The magician" está muy influenciado por la fiebre disco en temas como el que da título al disco o "Let My People Go", aunque mis favoritos son dos instrumentales "Stone To The Bone" con un toque a Love Unlimited Orchestra y "Don´t Put Me On" donde pone de manifiesto sus influencias jazzísticas. No sabremos nada de él hasta 1984 en que vuelve asomar con "Gotta Give A Little Love" y por la versión que Sade hace de su "Why Can't We Live Together". En 1991 su canción "Dying Inside To Hold You" sería un super hit en Australia, Malasia, Filipinas e Indonesia, toma. Curiosamente "Why Can't We Live Together" volvería a las listas en 1994. Sudáfrica celebraba sus primeras elecciones libres y la canción fue usada durante la campaña, un año después decidió abandonar el negocio y dedicarse a la enseñanza musical en Educación Primaria y hoy en día continúa en ello afirmando que: "prefiero enseñar a los niños pequeños e intentar conseguir que aprecien a Mozart y Beethoven".

TODO EL LARGO VERANO Perdí a mi novia (en una fiesta oficial de La Fonográfica General) (2008)

Todo el Largo Verano, ese colectivo ferrolán que na estación estival apoveita para estar na praia, nadar ó estilo braza e incluso bucear, ven de editar o seu novo sinxelo "Perdí a mi novia (en una fiesta oficial de La Fonográfica General)". A idea da canción xurdiu en outubro do ano pasado cando ós grupos colaboradores do selo se lles pediu unha sintonía para celebrar o seu segundo aniversario, Unha vez gravado quedaron con ganas de finalizar a canción ó completo, ou sexa con letra, así que aquí a tedes nas dúas versións. Nesta ocasión TLV foron Alberto ao baixo, voz e coritos, Kike á guitarra de ritmos, Rubén á guitarra solista e coros, Miguel de baterista e Carolina á pandereta. Todos os seus anteriores discos están dispoñibles en:
http://www.todoellargoverano.blogspot.com/

ROGER DE FLOR Canciones de Amor y Retranca (Autoedición, 2006)

La vida de este trovador, con nombre de templario y soldado almogávar del siglo XIII, es representante de una nueva generación de músicos de Ferrolterra (Quant, Los Huéspedes Felices, Todo el largo Verano, Boy Elliot, etc,) que anteponen las ideas y la calidez al virtuosismo instrumental, el cantautor Roger de Flor (seudónimo de Rogelio Arias) esconde un manantial de naturalidad silvestre, de investigador de las debilidades del corazón y de socarrón retratista de la sociedad que le ha tocado vivir para sumarse a la corriente, capaz de mezclar la tradición (Cole Porter, Ray Davies, Jonathan Richman o Vainica Doble) con su propia sensibilidad posmoderna.
Durante el 2006 Roger de Flor dio forma a este "Canciones de amor y retranca", media docena de temas que hablan de la amistad, el poso de las relaciones aparentemente efímeras, la crítica al conformismo vital y la necesidad de encontrar nuestro lugar en el mundo. Una gran heterogeneidad a la que la claridad de conceptos sonora de Roger de Flor da coherencia y unidad. Swing y pop unidos por la calidad de unas canciones cosidas con un arrebatador buen gusto que, a fuerza de ser divertidas, esconden reflexiones sobre lo que somos y lo que quisiéramos ser. .. “Ana”.., la historia de una groupie, el hit potencial ..”En una noche como esta”.., la colaboración dylaniana ..”Una desconocida más”.., el autorretrato irónico ..”Soy un vago”.., la plañidera ..”Oh! Money”.. y la festiva y singular ..”Chus quiso celebrar su boda con unos amigos”.. conforman un menú sonoro que no debería pasar desapercibido.

http://www.myspace.com/rogerdeflor

COLIN HARE E AMIGOS Felipop Invierno 2005

En xaneiro do 2006, como contaba no artigo de Tony Rivers e o seu "Tommy", Colin Hare, acompañado duns amigos: Andy Morten dos Bronco Bullfrog, Duncan Maitland , colaborador de XTC, Pugwash, etc e o asturiano Ángel Kaplan, Bubblegum, Doctor Explosión, etc, fixeron dúas actuacións por estas terras, unha en Limodre no Felipop de Inverno e outra en Carteles (Ferrol). O resultado das mesmas foi realmente formidable, mais se temos en conta que era a primeira vez que se veían os catro xuntos, xa que cada un practicara as cancións por separado nos seus respectivos domicilios. Neste arquivo recóllense os mellores momentos das dúas datas, e aínda que está gravado en mono cun mini-disc, o son é realmente bó. O repertorio está composto mairomente por temas do seu "March Hare" coa inclusión case obrigada dalgúns temas de Honeybus. Isto foi o que tocaron:
01. DELIGHTED TO SEE YOU 02. UNDERGROUND GIRL 03. ALICE 04. GET UP THE ROAD 05. BLOODSHOT EYES 06. SHE´S OUT THERE 07. I REMEMBER CAROLINE 08. FIND ME 09. HOW LONG 10. TO MY MAKER 11. NEW DAY 12. COWBOY JOE SAGA 13. SHE´S A LADY 14. WAITING 15. JUST LIKE ME 16. CHARLIE BROWN´S TIME 17. I CAN´T LET MAGGIE GO

COLIN HARE MYSPACE

In January, 2006, as mentioned in the article about Tony Rivers and his “Tommy”, Colin Hare, along with some friends: Andy Morten from bronco Bullfrog, Duncan Maitland, supporting musician with XTC, Pughwash, etc and Angel Kaplan (from Asturias),the latter involved with Bubblegum, Dr Explosion, etc, offered a couple of gigs around this area, one of them in Limodre (Winter Felipop) and the other in a pub called Carteles, in Ferrol. Both of them were splendid and a complete success, more so taking into account that it was the first time they actually were together, as each of them had to rehearse the songs at home, away from each other. This file includes the highlights from both gigs, and despite of them being recorded in mini-disc format, the sound quality is really good. The set includes mainly tracks from Colin’s “March Hare” , along with the almost compulsory bunch of songs by Honeybus.

LOS HUÉSPEDES FELICES Sol de Invierno (Autoedición, 2007)

Si tienes una maqueta o disco y quieres que la pongamos aquí, no tienes más que contactar con nosotros, igual que acaban de hacer los insignes Los Huéspedes Felices y su última grabacíon "Sol de Invierno" realizada como siempre en lugares insospechados como cocinas, salas de estar y dormitorios. Esta es la crítica del disco que les hizo el Mondo Sonoro y que nos hacen llegar como complemento:

"Son el secreto mejor guardado de la Ría de Ferrol. Tras más de quince años de trayectoria, Los Huéspedes presentan una grabación sencilla y parsimoniosa a la par que hipnótica y penetrante. Se nota la experiencia de los años y el compromiso adquirido por unos tipos que se declaran normales con guitarras eléctricas. "Sol de Invierno" contiene composiciones especiales que beben de la sicodelia sixtie, del pop atemporal de inmaculada factura y de múltiples referentes más que arropan una grabación que cautivará a cualquiera con un mínimo de buen gusto. Instrumentales bellamente ejecutados y cortes pop a los que seguro daría su aprobación el mismísimo Andy Partridge". (C.B.)

http://lacasadeloshuespedesfelices.blogspot.com/

http://www.myspace.com/loshuespedes

EXCERPTS FROM ROCK OPERA TOMMY (Marfer, 1973)

Hace cosa de un par de años, por navidades, Colin Hare venía camino de Limodre para tocar en el Felipop de Invierno y por casualidad se encontró con Tony Rivers en el aeopuerto. Después de los consabidos, ¿Cómo te va? ¿Qué te traes entre manos, pillín?, Tony le comentó que él también quería tocar así que nos escribió para ver si podía hacerse algo. Después de comunicarle la imposibilidad de poder realizarlo en ese momento, le comentamos que estaríamos encantados de poder intentarlo más adelante pues la idea nos motivaba, no en vano somos bastante fans del conocido como Brian Wilson británico y de sus trabajos con los Castaways, Harmony Grass y Summer Wine. El caso es que después de esa toma de contacto recordé aquel disco friki que habia comprado hace años y en el que aparecía un tal Tony Rivers detrás del proyecto; le pregunté si era él y contestó que sí, en efecto, que el LP era parte del trabajo en estudio que realizaba en aquellos años para sellos especializados en versiones como Pickwick. No recordaba mucho sobre su realización pues no dejaba de ser un complemento económico para sus proyectos más personales de principios de década como Summer Wine, Hollywood Freeway, Magic Bus o los trabajos con John Perry, este último también involucrado en la grabación de este "Excerpts from the Rock Opera: Tommy". He de decir que no soy un gran fan de los Who y menos de los ataques de megalomanía de Pete Townshend que a mi parecer son bastante aburridos, pero la selección recoge algunas de las canciones que más me gustan del original destacando la interpretación con toque Beach Boys de "We´re gonna take it", "Pinball Wizard", "I´m Free" y "The Acid queen" en la voz de una chica de nombre Martha Smith que le da un toque Tina Turner dos años antes de la realización de la película de Ken Russell. Lo peor sin duda son los teclados, absolutamente horrorosos por momentos. En definitiva, no pasa de ser un divertimento y una curiosidad para devotos de los Who sin complejos de ningún tipo. Buena parte del trabajo de Tony Rivers en los primeros setentas está muy bien documentado en el cd "Harmony Soul" editado por RPM en el que se repasa su carrera en esos años bajo seudónimos de lo más dispar.

BAZAR EQUIPE 84

Cuando Víctor Sogliani y Pier Farri formaron los Hurricanes a las puertas de la década de los 60, Módena disfrutaba con las gestas deportivas de Juan Manuel Fangio al volante de su Maserati. La bonanza económica permitía ciertos dispendios, como comprar algunos instrumentos para formar una banda de rock´n´roll. La motivación no era nueva: parecía un buen modo de conocer ragazzas.

Tras un cambio en la formación pasan a llamarse Le Tigri. Sogliani se ocupa del bajo y el saxo, Farri de la batería, y la joven hermana de Víctor de la guitarra; he aquí un destello de modernidad. En otro golpe de efecto ponen al frente, sobre las tablas, como cantante y guitarrista, a un flaco trasunto del Príncipe Hamlet: Maurizio Vandelli. Paralelamente, en un escenario cercano a éste, otro grupo de jóvenes comenzaba a despuntar. Los Marinos, músicos vocacionales comandados por Paolo Guarnera (saxo y voz), contaban en su formación con Francesco Guccini (guitarra y voz), el pequeño Alfio Cantarella (batería), Franco Fini (guitarra) y Marino Salardini (piano). No tardaron en cambiar su nombre por el de Gatti, y más tarde por el de Paolo & I Gatti coincidiendo con su momento de mayor popularidad en los locales modeneses.

La entrada en la década de los 60 trae consigo nuevos cambios y alianzas en la fauna felina. Le Tigri cambian de formación y de nombre: I Giovanni Leone (en homenaje a The Young Lions de Edward Dmytryk). María Sogliani es sustituida por el guitarrista Franco Cerccarelli. Sorpresivamente Sogliani y Farri, artífices del grupo, abandonan sus filas para unirse a Paolo & I Gatti. Farri se ocupará únicamente de organizar las actuaciones y hacer las veces de manager. Sus sustitutos son Luigi Simonini y Claudio Dotti. En 1961 Celentano hacía correr ríos de tinta cuando en San Remo, con 24 mila baci, parecía dar la espalda al público, presagiando tiempos de cambio. Un año más tarde Paolo & I Gatti sufre una nueva conmoción. Salardini y Fini deciden abandonar la música. Mientras, Guccini es llamado a filas. Es entonces cuando nuestro inefable Pier Farri propone al resto del grupo el fichaje de Vandelli; esto supondría desmantelar prácticamente al contrincante I Giovanni Leone. Vandelli acepta sin dudar, ya que no confía en la proyección de su banda. Pero subestima a su compañero Cerccarelli –nada más peligroso que un felino herido. Aconsejado por su joven amigo Corrado Bacchelli, aprendiz de leguleyo (posteriormente fundará la discográfica CBO), decide denunciar a Vandelli por daños y perjuicios. Pero ¿cómo evitar los tribunales? Si no puedes con los filisteos, únete a ellos. En un último alarde de astucia Cerccarelli es invitado a formar parte de Paolo & I Gatti.
Cuando en 1963 Guarnera abandona la escena el reparto queda así: Maurizzio Vandelli (voz y guitarra), Víctor Sogliani (bajo), Alfio Cantarella (batería) y Franco Cerccarelli (guitarra).Ha nacido l’Equipe 84. Nos quedamos encerrados en un garaje de Módena durante 60 días y 60 noches tocando sin parar. Sofás desvencijados y botellas de Stock 84. En el tocadiscos gira un vinilo de l’Equipe Tahitianne. La explicación al nombre del grupo habría que buscarla en esta escena y no, como afirmaba la prensa de papel cuché, en la suma de las edades de sus componentes –que era en realidad 85.

Con la ayuda del cantante y autor Gian Pieretti logran grabar su primer single para una pequeña discográfica de Módena (Caravel, 1964). La cara A, Canarino Va, era el himno del equipo de Módena. Se prensarán mil copias para ser repartidas en el propio estadio. Una plataforma que les permite firmar su primer contrato con la discográfica Vedette, donde graban seis singles y un LP. En los dos primeros singles Sogliani, que marcha a hacer la mili, es sustituido por Romano Morandi. El primer single se mantiene durante varios meses en el top ten italiano con una versión del Tell me de los Stones (Quel che ti ho dato). En el 65 publican su primer LP l’Equipe 84, que además de las canciones editadas en 45 rpm contiene una versión inédita del Tired of waiting de los Kinks (Sei felice). Un año más tarde participan en el Festival de San Remo con Un giorno tu mi cercherai. Aunque son aclamados por el público lo cierto es que no llegan a clasificarse.

Tras varias discrepancias con la discográfica, que se resolverán en los tribunales, fichan por una casa con muchos más recursos, Dischi Ricordi, donde debutan con un single de versiones. Io ho in mente te, versión del You were on my mind- escrita por Sylvia Fricker, del dúo folk Ian & Sylvia para We Five, popularizada por Barry McGuire- y Resta, versión del Stay- escrita Maurice Williams y popularizada por Jackson Browne. En origen Resta aparecía como cara A, pero visto el éxito de Io ho in mente te la discográfica decidió cambiar el orden en los siguientes prensados, modificando también la cubierta. Alcanzaron tal popularidad que, en una entrevista radiofónica para la RAI Uno, Lennon llegó a definir a l’Equipe 84 como el grupo italiano más en consonancia con los tiempos. En las emisoras sonaba sin cesar su siguiente single Bang Bang (versión del tema de Sony Bono) y Auschwitz (de Guccini).

Ese mismo año publican su segundo LP. Io ho in mente te, compuesto casi a partes iguales de covers y composiciones propias. Era el año del boom del Beat italiano: grupos como I Corvi, que actuaban con un cuervo vivo atado al mástil del bajo, I Giganti, I Nomadi, I Pooh, I Ribelli (los Rebeldes de Celentano)… también aquellos llegados a Italia en busca de fortuna: The Motowns, The Troggs, The Renegades, The Sorrows, y como no, el año de los Rokes, que amenazaban con eclipsar al propio Equipe 84. La cima de su popularidad llegará al año siguiente, coincidiendo con su alianza con el tándem Battisti/ Mogol. Con 29 settembre y Nel cuore nell’anima tocan techo. Trabajábamos sin parar y al final avanzábamos por inercia, hasta que, uno a uno, nos desmoronamos todos. Unas nubes oscuras presagiaban el ocaso del Beat. Cabalmente deciden invertir sus ganancias abriendo un negocio en el centro de Milán. En el Bazar Equipe el mostrador estaba compuesto por tres vagonetas de mina. Una cuna servía de contenedor de jerséis, las luces se encendían y apagaban dando un último toque surrealista al negocio. No les fue mal, ya que abrieron dieciocho sucursales en toda Italia. En el 68 publican su tercer LP, el excepcional Stereoequipe, donde incluyen una curiosa versión del I can’t let Maggie go de Honeybus (Un angelo blu). Battisti pone voz al tema Ladro. Tras participar en el concierto Cantagiro interpretando Tutta mia la cittá, magistral adaptación del Blackberry Way de The Move, deciden no dar más conciertos y limitar su actividad a las grabaciones.
Un año más tarde, en febrero de 1970, Alfio (que a diferencia de sus compañeros no era de Módena, si no de Sicilia) es detenido por posesión de hachís y encarcelado durante tres meses. A raíz del incidente la RAI veta públicamente a la banda. La compañía discográfica llega a un acuerdo por el cual Alfio no aparecerá más en televisión y el grupo deberá cambiar de nombre. Las viejas rencillas con Vandelli van en aumento. Cerccarelli abandona la formación e intenta, con Ricky Gianco, formar una nueva versión de l’Equipe 84. Una aventura fallida.

Para el LP ID Mike Shepstone, de los Rokes, sustituye a Alfio a la batería. También participan el teclista de Dik Dik Mario Totaro, el cantante Donatello a la guitarra y el baterista de I Quelli, Franz Di Cioccio. Se trata de un disco de influencias progresivas que pasa prácticamente desapercibido. Viendo el declive del grupo, Vandelli decide lanzar su carrera en solitario con L’altra faccia di. La nula repercusión del disco lo empuja a reactivar la banda como Nuova Equipe 84 con Franz Di Cioccio y Darío Baldan Bembo, colaborador de Celentano y Battisti. Con esta formación se presentan de nuevo al festival de San Remo del 71 interpretando junto a Lucio Dalla 4 marzo 1943. Esta vez alcanzarán el tercer puesto. Un éxito que favorecerá las ventas de su LP Casa mia. Su fichaje por Ariston Records en el 73 coincide con la vuelta del descarriado Alfio Cantarella y con la recuperación del nombre genuino de la banda. En esta casa publican el conceptual Dr. Jeckyll & Mr. Hyde y Sacrificio. En el 79 Vandelli reúne a la formación original, pero no consigue sacar adelante el proyecto. Hastiado, en la primavera del 81 anuncia la disolución del grupo. Tres años más tarde, Sogliani y Cerccarelli deciden reformar una vez más l’Equipe 84 junto con Cantarella. Participan en al concierto homenaje a Guccini en Bolonia. Cantarella no tarda en abandonar para centrarse en sus labores de manager- en su cartera de clientes hay nombres como el de Battiato, Zucchero… En el 89 publican el LP Un amore vale d’altro (Rose Rosse). La fractura definitiva se produce en 1995, cuando Sogliani funda por su cuenta l’Equipe Extra- D. Fallecerá ese mismo año. Sobre las tablas sólo quedan dos antiguos adversarios, frente a frente. Mientras Cerccarelli continua utilizando el nombre de la banda, Vandelli no quiere ni oír hablar de la refundación del que pudo haber sido el mejor grupo de la historia del pop italiano.

Para una discografía detallada pásate por Equipe 84 y para descargarte una selección de canciones que acompañen a tu lectura, házlo en nuestro bazar

18 RODAS Nº 11

Aquí está o n 11 en PDF co seguinte sumario:

Badfinger

Errol Flynn

The Gordian Knot

Bubblegum Explosion

Burt Bacharach

Bell & Sebastian

Psicodelia en Abbey Road

The Action

Elephant Band

France Gall

Los grupos de Doo-Wop

Les Irresistibles

Dylan a través del espejo